L’arrivée de Pierre Gallotta a donné toute son assise à Staircase Wisp. L’embryon du groupe parisien a commencé à prospérer en 2003 grâce à Mickaël Adamadorassy et Loïc Jallais, fans du son de Seattle. L’album qui paraît aujourd’hui – et qui demeurera l’un sinon celui qui possède le titre le plus long de 2010 – n’en reste pas indemne. Mais on ne s’en plaindra pas. Au contraire. On y retrouve de superbes effets style reverb et écho que n’auraient pas dédaignés les Nirvana.

Staircase Wisp oscille entre rock charpenté et un certain humour. Sur la base d’une violence qui n’est pas seulement indicible le quatuor voyage parmi des eaux boueuses pour en laisser surgir des pépites. Gallotta aime s’amuser avec les rythmes. Il sait les déformer à bon escient afin de se jouer de tout à travers de petits détails et en mêlant multiples techniques. La palette de création du groupe est donc très large. Ses aplats colorés sont rehaussés de touches percutantes.

L’album est traversé par un trait commun : la sensibilité corrosive. Chaque morceau se compose bien souvent d’un minimum d’effet non sans parfois un second degré particulièrement poussé. Très nettement influencés par le rock américain nord west-coast, les Staircase Wisp associent systématiquement leurs titres à une critique décalée aussi onirique (paradoxalement) que bien ancrée. Elle donne tout son sens à leur musique à la fois sophistiquée et musclée.
Chaque morceau ne cherche jamais à illustrer une idée de départ. Il se crée à mesure que la musique avance sous l’impulsion du leader mais à la faveur du trio qui ne subit pas forcément sans broncher le passage sous ses fourches caudines. D’où l’ambiguïté de morceaux toujours plus complexes qu’une écoute trop rapide pourrait d’abord laisser croire.

Les neuf titres déjantés, en revisitant l’histoire du rock, participent d’un nouveau courant que l’on pourrait qualifier de surréalisme des temps postmodernes. Et l’hommage à Georges Méliès (morceau n° 7) n’est pas anodin. Le monde étant plein de peurs et d’errance le groupe garde comme ambition de les traduire dans un travail complexe de distanciation tout autant que de présence comme le premier cinéaste le fit.

L’envers comme l’endroit du monde deviennent donc pour Staircase Wisp l’objet d’une « rêverie » privilégiée. Leur enjeu reste une problématique de l’identité de la musique populaire. Ils en proposent une chimie ou une alchimie quotidienne par associations et pétrissage d’éléments sonores qui n’ont rien de cosmétiques.

Les « reliefs sonores » interrogent, cuits et recuits par les artistes qui mêlent leurs propres aromates dans le chaudron de leur french touch. Par déchirures, ravaudages, surgit un brouet épicé et énigmatique : parfois dans l’onction épaisse, parfois dans la transe perfide d’envolées rauques et lyriques.

http://www.staircasewisp.com/ep2/

Monsieur Nine Inch Nails nous offre aujourd’hui un EP de six titres sous le nom de son nouveau projet How To Destroy Angels. Oui, nous offre. Fidèle à ses récentes convictions, avant même sa mise en vente le mois prochain, cet EP éponyme est en téléchargement libre et gratuit sur le site du groupe.

Alors, tout d’abord, parlons-en, de ce groupe. Qui voyons-nous ? Trent Reznor, évidemment, accompagné d’Atticus Ross, musicien britannique multifonctions, et de Mariqueen Maandig, de son nom complet Mariqueen Maandig Reznor. Nous aurons donc reconnu la femme du chef. Car pour les quelques un-e-s qui l’ignoreraient encore, Trent Reznor, âme damnée, torturée, sale et sexy s’est muée en bon petit gars marié, sobre, (très) musculeux et heureux. Et là, hélas, mille fois hélas, en sus de briser le cœur de moult groupies, Trent Reznor nous démontre que souvent, les grand-e-s ne sont jamais aussi grand-e-s qu’au fond du gouffre, le nez dans un saladier de poudre magique et/ou le foie confit prêt à flamber, malheureux comme les pierres et empêtrés dans une vie de tourments, de préférence violents. Le bonheur ne va pas à tout le monde.

Car soyons lucides, cet EP empruntant son nom à un vieux single de Coil n’est pas terrible. Trent Reznor y oscille entre les morceaux musicaux un peu faciles maintes fois répétés par le passé (”The Believers”), les mid-tempo où l’on rêve d’une impulsion qui ne viendra jamais (”BBB”) et les bidouillages intimistes au coin du feu avec sa très belle auxquels nous ne sommes visiblement pas convié-e-s (”A Drowning” et “Fur-Lined”). Le morceau phare, “The Space In Between”, ainsi que “Parasite” sauvent l’ensemble, même s’ils ne surprennent en rien au point de sembler tout droit sortis de l’album The Fragile, paru en… 1999.
Connaissant le goût de Trent Reznor pour la rage et la détresse vocale, on attend beaucoup de son épouse. Déception. Voilà qu’en lieu et place d’envoyer du bois, c’est tout juste si Mariqueen Mandig Reznor envoie de la sciure. Des murmures, parfois accompagnés de ceux, plus chaleureux et plus feutrés encore, de son mari, noyés dans l’ensemble et qui n’apportent rien, si ce n’est l’envie éventuelle de monter le son de son micro pour voir ce que cela donnerait.

Bon, cela dit, il est vrai qu’elle est belle, et joliment mise en image par Rupert Sanders dans un clip très graphique mais tristement peu original à base de ralentis savants, de jeux de lumières, d’incendie stylisé de chambre d’hôtel, de donzelle sexy (devinez qui ?) brutalement assassinée qui chante baignant dans son sang aux côtés d’un Trent Reznor muet affalé dans une mare d’hémoglobine savamment étalée, et de quelques gens paumés.

Bref, comme beaucoup d’autres, je suis déçue. Cet EP ressemble à s’y méprendre au faire-part de remerciements qui aurait été envoyé aux invités du mariage Maandig – Reznor, aux proches du couples, et qui nous aurait été expédié par erreur, à nous, profane populace de fans de Nine Inch Nails non concerné-e-s par tout ceci.

Mais la cerise sur le gâteau, c’est que je n’aurai même pas la franchise de dire que je n’aime absolument pas et que ce n’est pas bon. Même si la flamme et la rage semblent bien en berne, Trent Reznor a malgré tout l’arme secrète, le coup de rein musical qui fait toujours plaisir aux oreilles et le murmure sexy qui va bien. Comme je le disais pas plus tard qu’en début de chronique, je suis faible.

How To Destroy Angels (EP – 2010) :
01. The Space In Between
02. Parasite
03. Fur-Lined
04. BBB
05. The Believers
06. A Drowing

Crédits : photos empruntées à la page Facebook du groupe.
- Artwork par Mark Weaver -

Site officiel : http://howtodestroyangels.com/home.html

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(note : le morceau de rap qui surgit automatiquement provient des commentaires et peut se couper)

Certes, il est difficile de vérifier si le groupe carbure au gazon fumé. Les mélodies relativement sobres et maîtrisées, la production soignée, les arrangements sans faute de goût, tendraient cependant à démentir que Nelly Olson ait le cerveau totalement neutralisé par un neurotoxique quelconque. La méchanceté ? Non, oubliez. Nelly Olson n’œuvre pas dans le rock rageur, vindicatif ou satirique, loin de là. Si comme presque partout, des thèmes plus ou moins sensibles sont abordés (la rupture, le mensonge, le sexe), la démarche reste toujours assez pudique, élégante et même assez consensuelle.

Comme le suggère la pochette qui met à nu les musiciens et musiciennes du groupe, le rock est à fleur de peau et l’implication personnelle transpire, mais ne tombe jamais dans la violence ni dans la prétention ou le nombrilisme. Et la musique n’est pas encore totalement ringarde ou démodée quoi qu’en fin de vie, mais est lourdement écrasée par le fardeau des influences. Tita, chanteuse et guitariste du groupe, adore K’s Choice et cela s’entend comme le générique de la série le midi sur la 6. Dans le style d’abord, mais aussi dans cette voix androgyne, éraillée qui scande ses douleurs et dévoile timidement ses peines.

Tits se veut, d’après les dires du groupe, l’album que la peste aurait sorti si elle avait grandi et sombré dans l’enfer du Rock. Raté. Plombé par une trop forte ressemblance avec K’s Choice, malgré des titres chantés en français, l’album s’enlise dans l’honorable mais pâle copie. Aussi pâle que le teint de la blonde vénéneuse dont l’omelette aux champignons ne devait pas contenir que des cèpes.

Ah, on me dit qu’en fait, la série s’appelait “La Petite Maison dans la Prairie” et que ça parlait de la vie de gens bien dans un paisible village rural américain.  Voilà qui ne remet absolument pas en question la chronique : on ne voit toujours pas le rapport.

Le groupe Trunks propose ici un EP de deux titres, soit près de 12 minutes de notes. Un simple aperçu, qui laisse néanmoins entrevoir la formule concoctée par la formation. Les compositions puisent à différentes sources, pop, rock ou jazz notamment. Les phrases musicales ne sont pas jetées violemment dans le pavillon de l’auditeur, mais semblent provenir d’un esprit fécond. Un peu comme si ces plages légères mais entêtantes avaient mûri avant d’être finalement libérées telles Athéna jaillissant du crâne de Zeus.

L’atmosphère qui se dégage de cet EP est baignée de fraîcheur et mouillée d’asphalte. L’ombre de Jack Kerouac et le souffle de la beat generation habitent les titres. Une présence discrète mais réelle, qui s’avère différente de ce qui a pu être perçu par ailleurs, comme par exemple chez K.R.O.A.Z.H.E.N.T. avec War an Hent (« sur la route » pour ceux qui ne mangent pas de crêpes). Une légère brise caresse les oreilles, évoquant un voyage mené sur fond de crépuscule et porté par « Kniee » et « Journey to the line ».

Ce périple, entamé, n’en est qu’à ses débuts, mais Trunks saura bien le mettre en musique plus longuement, afin d’accompagner les rêveries des promeneurs pas forcément solitaires.

1. Kniee
2. Journey to the line

http://www.myspace.com/areyoutrunked

Les éloges glanés, s’ils ne scintillent pas tels un violent incendie estival, auréolent néanmoins la création de Dame Perrine, pouvant ainsi faire naître les ombres de la suspicion. Le qualificatif de « révélation » ayant souvent tendance à résonner, tel le tocsin, à la moindre occasion, la prudence peut être de mise. Si le recours au substantif mis en question peut sembler inapproprié, car prompt à créer des comparaisons entre œuvres, Première Mue n’en demeure pas moins bercé de qualités.

Les différentes compositions ornant cet album s’articulent autour de la voix, souvent douce mais parfois plus âpre, de Dame Perrine, portée par une orchestration assez minimaliste mais nullement minimale. Le travail est effectué de manière conjugué sur les textes, le placement du chant et les arrangements, et cela est aisément perceptible lors de l’écoute. Les sonorités fluctuent, entre chanson introspective et pop-rock plus enlevé, entre française et anglais. Ces jeux de sons et de langues renouvellent l’atmosphère légère mais non dénuée de tension. Ainsi, “Litanie”, récit plongé dans l’absurde et l’onirique d’une découverte amoureuse, maintient un éclairage légèrement inquiétant sur l’état d’esprit de cette jeune femme qui est submergée par ses sentiments.

Un certain équilibre entre les différentes facettes de la réalité de Peau se révèle au fil des notes, entre douceur nacrée, caressante, et sillons sensibles au niveau des articulations. L’ensemble est empreint de légèreté et de sensibilité, mais l’aspect lisse se craquelle néanmoins par endroits, et pas seulement sous les coups de butoir de sieur Chronos.

Bien entendu, Première Mue peut ne pas susciter l’adhésion, et d’aucuns trouveront le tout trop calme à leur goût. Cette remarque peut même trouver un écho chez ceux qui ont apprécié l’album. Une envie de rompre l’enveloppe, de déchirer l’épiderme peut ainsi surgir, dans le fol espoir de mettre le derme à nu et de contempler sa beauté meurtrie. Il y a en effet fort à parier que les retranchements à peine entr’aperçus de l’artiste peuvent abriter des fulgurances insoupçonnées : après tout, on n’écoute pas Fever Ray impunément.

1. Première mue
2. Kyle
3. Enola Gay
4. Weather
5. An Apple a day
6. Litanie
7. Guerre longue
8. Sensuelle
9. Breath
10. Une Petite pluie
11. A Few things

Myspace : http://www.myspace.com/peaumusic

Le terme ‘boozy’ fait référence à la picole et cette notion revêt somme toute un rôle non négligeable dans l’ambiance de l’album. Les compositions paraissent destinées voire condamnées à être chantées au coin du feu, dans un état plus ou moins alcoolisé (en fonction de l’heure). A l’écoute, on se retrouve plongé dans une de ces soirées au cours desquelles la bière coule à flot et les filles montrent leurs seins. Résumé ainsi, cela paraît ressembler à un mauvais film pour adolescents boutonneux à base de tarte aux pommes, mais l’image d’ensemble est néanmoins assez juste.

Sur le plan musical, les morceaux sont portés par la voix relativement nasillarde du dénommé Pete Tremblay, dont on ne sait s’il a un lien de parenté avec Pierre Tremblay, l’inoubliable interprète de Maurice dans Flic ou Ninja. Ce timbre donne assurément une empreinte unique au groupe, mais risque de se révéler plutôt irritant sur la longueur.

L’impression d’ensemble qui persiste après plusieurs écoutes est que cet album est à conseiller à celles et ceux qui apprécient les ambiances typiquement nord américaines et estudiantines, caractérisées par une forte insouciance (et aussi par le houblon). Ils pourront ainsi capturer l’atmosphère de ces fêtes décadentes, à défaut de vider des gobelets en plastique et d’admirer le galbe de poitrines dans la fleur de l’âge.

1. Rise Up !
2. Grape (the LA song)
3. Prey for rain
4. Party, party, party
5. Myself the cop
6. No Glitches
7. No Halo
8. Bilderburton
9. The Suffered

Myspace : http://www.myspace.com/theboozytruth

Faut-il s’en contenter ? Rien n’est moins sûr. Tout cela nous place sur des plans affectif et auditif régressifs. On fait l’économie des mécanismes opératoires préliminaires que nécessite tout œuvre nouvelle même si elle peut laisser au départ un peu ahuri. Qu’on se souvienne en effet des deux premiers Radiohead. Ou de ceux qui opérèrent le virage à quasi 180 degrés : Amnesiac et Kid A. Dans les deux cas un effort était nécessaire. Il était aussi salutaire, profitable.

Avec The Tallest Man On Earth et son The Wild Hunt rien de pareil. Pas besoin d’efforts. L’artiste – de son vrai nom Jens Kristian Matsson – est encensé par Pitchfork (entre autres) tant ce premier album ramène à des sphères indie-folks caressées naguère par Dylan quand il se mit à mâtiner d’électricité ses accompagnements acoustiques. On peut écouter cela en Lord Maires (eux au moins lorsqu’ils vont aux putes n’encourent pas le risque de retrouver leur nom livré à la vindicte populaire…)

L’audition de The Wild Hunt revient à cultiver et poursuivre des souvenirs comme ils viennent. La force d’autosuggestion fait le reste. On connaît les moulures. Et qu’elles soient moulantes ne gâchent rien au contraire… Mais méfions-nous des ersatz même lorsqu’ils produisent une harmonie plutôt réussie, intelligente au lyrisme astucieux pétri de poésie soutenue par une voix agréable et des mélodies adéquates.

The So So Glos est de ceux-là et ils le prouvent avec Tourism / Terrorism.

Loin des imposteurs sans envergure à la Green Day, The So So Glos évoque la nervosité de Sex ou Buzzcocks, les accents pop des Clash, ou parfois le côté plus nébuleux de Television… Forcément les comparaisons stylistiques auront lieu de foisonner, et chacun pourra y voir midi à sa porte ! Mais là où la comparaison avec les aînés a vraiment lieu d’exister, c’est dans la vivacité des So So Glos, qui sans faire dans le réchauffé scolaire d’une leçon bien apprise, délivre un son directement craché des tripes, sans fioriture… En gros, on est loin de la manière dont des groupes actuels comme Interpol ou Editors ont institutionnalisé et théâtralisé l’esprit et le son du post-punk de Joy Division et consorts. Et évidemment, la production n’en fait pas trop, offrant juste ce qu’il faut d’efficacité tout en conservant un son nerveux et la spontanéité nécessaire.

C’est donc cette authenticité qui permet à ces compos de rester actuelles, quasi-intemporelles, sans donner l’impression d’adopter des codes musicaux datés. Un esprit punk réincarné dans son époque, en somme !

En ce qui concerne les morceaux en eux-mêmes, l’album ne s’attarde pas sur la durée (une petite demi-heure bien remplie) mais offre suffisamment d’équilibre et de diversité pour que l’on ne s’ennuie pas et que l’énergie insufflée au départ reste intacte à la fin de l’écoute. Après une intro lente et nébuleuse, l’album ouvre les hostilités avec “My Block” suivi d’un caractéristique “Throw Your Hands Up” qui, entre lignes de basses incisives et guitares plus mélodiques, avec son refrain entêtant, a tout d’un hit punk en puissance !

Malgré leur immédiateté, les morceaux savent offrir des breaks et évitent la linéarité ou tout simplement d’être trop prévisibles. En milieu d’album, “Love or Empire”, ballade aux quelques accents plus solaires suivie d’une reprise légère et décalée du titre d’intro, relâchent un peu la tension, un peu à la manière d’une pause au bord de la route avant de refaire chauffer à blanc le moteur avec un “Execution” enragé…

Un album efficace donc et qui, sans jamais se prendre trop au sérieux, participe à maintenir en vie sans nostalgie déplacée l’esprit d’une mouvance qui aura laissé une empreinte indélébile sur le paysage musical, au-delà des horizons du rock. Tourism / Terrorism est efficace et entraînant de bout en bout, tout en affichant une maitrise impeccable du style qu’il pratique.

Myspace

Si tu peux voir critiqué l’ouvrage de ton groupe
Et sans dire un seul mot te mettre à progresser,
Ou perdre en un seul coup l’unité de ta troupe,
Sans un geste et sans un regret,
Si tu peux être hardcore sans nous rendre sourds ;
Si tu peux être rock sans cesser d’être tendre
Et, te sentant haï, sans haïr à ton tour,
Pourtant lutter et te défendre ;

Si tu peux supporter d’entendre ta musique
Chroniquée par des gueux pour exciter des sots,
Et d’entendre médire sur ton sens mélodique,
Sans médire toi-même d’un mot ;
Si tu peux rester digne en étant populaire,
Si tu peux rester toi en t’inspirant des Rois
Et si tu peux aimer tous tes amis en frères,
Sans qu’aucun d’eux soit tout pour toi ;

Si tu sais écouter, observer et connaître,
Sans jamais devenir mauvais ou réducteur
Rêver, sans laisser ton rêve être ton maître,
Chanter, sans n’être qu’un chanteur ;
Si tu peux être dur sans jamais être en rage,
Si tu peux être brave et jamais imprudent,
Si tu peux être bon, si tu sais être sage,
Sans être moral ni pédant ;

Si tu peux rencontrer triomphe après défaite
Et recevoir ces deux menteurs d’un même front,
Si tu peux conserver ton courage et ta tête
Quand tous les autres les perdront ;
Alors les Blogs, les Disques, la Chance et la Victoire
Seront à tout jamais tes esclaves soumis
Et, ce qui vaut bien mieux que les Rois et la Gloire,

Tu seras un Groupe, mon fils.

D’après Rudyard Kipling.