Très reconnu sur les danzeuflooren européens, et très demandé aux manettes de la production (ils ont œuvré notamment sur le disque de Tasha Baxter et le dernier album de Hadouken!) le trio n’avait sorti depuis ses débuts en 2002 que des maxi, singles et autres EP, mais jamais d’album studio intégral. Sans doute piqués dans leur ego par les sorties récentes de succès commerciaux dans le style (The Qemists, SubFocus, Pendulum, High Contrast…) ils suivent le mouvement et sortent enfin un LP. Avec grand fracas, d’ailleurs : pas moins de 19 pistes et presque autant de styles abordés.

Toutefois, il ne faut pas être effrayé par la richesse apparente du disque. En effet, si l’on y regarde de plus près, bon nombre des plages ne dépassent pas la longueur minimale pour être considérées comme des titres à part entière, se qualifiant par conséquent plutôt d’interludes. Déjà. Ensuite, le son propre au trio fait office de fil rouge : les basses surcompressées notamment se retrouvent sur à peu près toutes les pistes, et l’ambiance saturée mais maîtrisée ne redescend jamais. Mais le son, aussi personnel et travaillé soit-il, est-il capable de faire seul la musique ?

Pas vraiment, non. En tout cas, pas dans la branche populaire de la musique – par opposition à la musique expérimentale. Noisia n’excelle pas franchement dans la recherche auditive qui pourtant est souhaitée, et en même temps a pour but de faire danser les pieds ou balancer la tête. Ce qui finalement, n’arrive pas aussi souvent qu’espéré. Noisia est un trio de producteurs et remixeurs très doués, c’est indéniable. Mais la composition, l’écriture n’est pas leur point fort. Ils empruntent plus souvent qu’ils créent ; résultat, on ne peut s’empêcher de penser très fortement à Birdy Nam Nam ou Justice, entre autres.

L’album est incohérent et la musique ne sait pas où aller. La variété devient bordel, malgré l’unité sonore évidente. Les interludes nombreux cassent le rythme, trop de genres sont abordés et on finit par s’ennuyer ou s’agacer à un moment donné. Split the Atom désintègre le noyau Drum and Bass et étale sur le disque tous les sous-genres qui le composent et les genres qui s’en approchent, dans un thésaurus sonore qui s’apparente à un capharnaüm moléculaire : Liquid, Darkstep, Dubstep, Break beat, Breakcore (dans un featuring avec Amon Tobin) mais également Fresh Electro ou encore Trance… Passionnant en un sens, barbant aussi, car déstructuré à l’extrême.

Monsieur Nine Inch Nails nous offre aujourd’hui un EP de six titres sous le nom de son nouveau projet How To Destroy Angels. Oui, nous offre. Fidèle à ses récentes convictions, avant même sa mise en vente le mois prochain, cet EP éponyme est en téléchargement libre et gratuit sur le site du groupe.

Alors, tout d’abord, parlons-en, de ce groupe. Qui voyons-nous ? Trent Reznor, évidemment, accompagné d’Atticus Ross, musicien britannique multifonctions, et de Mariqueen Maandig, de son nom complet Mariqueen Maandig Reznor. Nous aurons donc reconnu la femme du chef. Car pour les quelques un-e-s qui l’ignoreraient encore, Trent Reznor, âme damnée, torturée, sale et sexy s’est muée en bon petit gars marié, sobre, (très) musculeux et heureux. Et là, hélas, mille fois hélas, en sus de briser le cœur de moult groupies, Trent Reznor nous démontre que souvent, les grand-e-s ne sont jamais aussi grand-e-s qu’au fond du gouffre, le nez dans un saladier de poudre magique et/ou le foie confit prêt à flamber, malheureux comme les pierres et empêtrés dans une vie de tourments, de préférence violents. Le bonheur ne va pas à tout le monde.

Car soyons lucides, cet EP empruntant son nom à un vieux single de Coil n’est pas terrible. Trent Reznor y oscille entre les morceaux musicaux un peu faciles maintes fois répétés par le passé (”The Believers”), les mid-tempo où l’on rêve d’une impulsion qui ne viendra jamais (”BBB”) et les bidouillages intimistes au coin du feu avec sa très belle auxquels nous ne sommes visiblement pas convié-e-s (”A Drowning” et “Fur-Lined”). Le morceau phare, “The Space In Between”, ainsi que “Parasite” sauvent l’ensemble, même s’ils ne surprennent en rien au point de sembler tout droit sortis de l’album The Fragile, paru en… 1999.
Connaissant le goût de Trent Reznor pour la rage et la détresse vocale, on attend beaucoup de son épouse. Déception. Voilà qu’en lieu et place d’envoyer du bois, c’est tout juste si Mariqueen Mandig Reznor envoie de la sciure. Des murmures, parfois accompagnés de ceux, plus chaleureux et plus feutrés encore, de son mari, noyés dans l’ensemble et qui n’apportent rien, si ce n’est l’envie éventuelle de monter le son de son micro pour voir ce que cela donnerait.

Bon, cela dit, il est vrai qu’elle est belle, et joliment mise en image par Rupert Sanders dans un clip très graphique mais tristement peu original à base de ralentis savants, de jeux de lumières, d’incendie stylisé de chambre d’hôtel, de donzelle sexy (devinez qui ?) brutalement assassinée qui chante baignant dans son sang aux côtés d’un Trent Reznor muet affalé dans une mare d’hémoglobine savamment étalée, et de quelques gens paumés.

Bref, comme beaucoup d’autres, je suis déçue. Cet EP ressemble à s’y méprendre au faire-part de remerciements qui aurait été envoyé aux invités du mariage Maandig – Reznor, aux proches du couples, et qui nous aurait été expédié par erreur, à nous, profane populace de fans de Nine Inch Nails non concerné-e-s par tout ceci.

Mais la cerise sur le gâteau, c’est que je n’aurai même pas la franchise de dire que je n’aime absolument pas et que ce n’est pas bon. Même si la flamme et la rage semblent bien en berne, Trent Reznor a malgré tout l’arme secrète, le coup de rein musical qui fait toujours plaisir aux oreilles et le murmure sexy qui va bien. Comme je le disais pas plus tard qu’en début de chronique, je suis faible.

How To Destroy Angels (EP – 2010) :
01. The Space In Between
02. Parasite
03. Fur-Lined
04. BBB
05. The Believers
06. A Drowing

Crédits : photos empruntées à la page Facebook du groupe.
- Artwork par Mark Weaver -

Site officiel : http://howtodestroyangels.com/home.html

Sur YouTube : http://www.youtube.com/howtodestroyangels
Sur Facebook : http://www.facebook.com/howtodestroyangels
Sur Twitter : http://twitter.com/destroyangels
Sur MySpace : http://www.myspace.com/howtodestroyangels
(note : le morceau de rap qui surgit automatiquement provient des commentaires et peut se couper)

De toute manière, inutile pour eux de regarder au ciel pour tenter d’y trouver une entité supérieure, Pendulum n’a qu’un Dieu et c’est Rob Swire, leader du groupe, et lequel ordonne même sur “Immunize” à ses semblables “Soyez féconds, multipliez” (Dieu à Adam et Ève, Genèse 1:28, “Go Forth and Multiply” en anglais, ce qui veut aussi dire de nos jours : “va voir ailleurs si j’y suis”. Je vous laisse libre de décider quel sens est ici donné à cette phrase). Producteur, instrumentiste, chanteur, auteur, compositeur, le bonhomme occupe presque entièrement la voûte créatrice, même si quelques invités prestigieux figurent sur l’album : Liam Howlett, le groupe de métal death mélodique In Flames et Steven Wilson, leader entre autres du groupe rock alternatif progressif Porcupine Tree. Trois univers bien différents qui pourtant ne sont pas tant éloignés de ce que Pendulum a pu faire, en particulier sur In Silico qui possédait une approche très Rock/Metal et de par leurs remixes de Prodigy.

Sur Immersion Pendulum insiste plus que jamais sur la variété des influences, trempant dans tous les océans, peut-être pour brasser le plus d’auditeurs possibles, peut-être pour simplement se faire plaisir. Pourtant, difficile de plonger tête la première dans la deuxième théorie, tant certains des titres nagent dans les eaux presque réservées qui de Prodigy (”Immunize”, normal puisque cosigné Liam Howlett, mais aussi “Set Me on Fire” et “The Vulture”), qui de Deadmau5 (”The Island part II”), voire d’Eric Prydz ou Noisia dans les sons. Visiblement, l’ambition est claire et il ne semble pas y avoir de partie immergée de l’iceberg : le but est de déferler sur les plages cet été, autant que possible.

Peut-on leur en vouloir de jouer un peu les requins ? Pas vraiment : déjà parce que pour beaucoup, cela fait bien longtemps que Pendulum baigne dans le commercial et le consensuel – en toute relativité. Jusqu’ici rien de nouveau, et il ne sert à rien de perdre du temps à conquérir un public qui ne se joindra jamais à sa cause. Ensuite parce que l’album est malgré tout de très bonne qualité : concentrant les acquis des deux précédents – arrangements Rock (d’In Silico) et mélodies électroniques accrocheuses (de Hold Your Colour), Immersion malgré un artwork extrêmement kitsch conserve un son qui touche à la perfection, et Rob Swire possède un sens de la composition indiscutable, proposant des titres ayant tous un potentiel de tube. Un album qui mérite donc de s’y plonger, et qui encore une fois est un probable pont entre musiques électroniques alternatives et Rock/Métal pour qui daigne traverser un bras de mer pas si large.

Prolixe (trop sans doute) elle a à son actif une trentaine d’album dont le dernier Big Sexy Noise vient de sortir. Elle a travaillé avec Nick Cave, Richard Kern, Henry Rollins ou Kim Gordon des Sonic Youth avec qui elle a crée en 1988 Harry Crew (titre en hommage à l’auteur américain du même nom). Mais aussi avec Exene Cervenka pour un album important Rude Hieroglyphics. Ses CD musicaux se sont doublé de ceux qui illustrent son travail de spoken words. Elle a sorti en 1993 un triple CD produit par Widowspeak sur son propre label : Crimes against nature. Il inclut entre autre ses premières conférences Oral fixation, Conspiracy of Women. L’artiste a désormais quitté les USA pour Barcelone et elle se produit désormais sur les scènes européennes. Récemment elle était au Batofar de Paris où son show correspondait parfaitement au titre du livre de nouvelles, dont la traduction sort en français Déséquilibres synthétiques (Editions du Diable Vauvert).

Tout est donc parti chez Lydia Lunch du traumatisme de l’inceste. Elle est devenue « plaie et couteau » selon l’expression de Baudelaire de son propre mal qu’elle a tenté de traiter par le mal (et donc le mâle). Refusant de fermer sa plaie, elle a pris le parti inverse. A savoir d’en ouvrir les lèvres en se livrant au besoin au plus offrant. « Fuck and Hate » deviennent ses maîtres mots dans une quête et une rédemption inversée. Ses textes, ses films, ses images, ses chansons font surgir un miasme proche de ce qu’à la même époque et sur le même lieu Kathy Acker développait parallèlement. Sécrétions diverses, dope, vodka sont les « médicaments » chargés de soigner la souillure première. Mais de pauvres victoires en monstrueuses défaites, l’artiste accumule d’autres traumatismes en devenant la victime consentante de ses prédateurs au nom de son premier massacre.

L’actrice accomplit tout un chemin de croix ou de pénitence. Acceptant la violence qui passe par le plaisir qu’elle donne et reçoit en devenant suivant les occasions sado ou maso et en se voulant la grande instigatrice d’un culte orgiaque. Passant le stade de la simple exhibition, l’artiste offre à ses lecteurs comme à ses spectateurs sa catharsis en live. Elle y évoque des scènes paroxysmiques de mutilations mêlées à des éclairs de jouissance. L’artiste, dans ses livres, ses films, ses performances, ses albums autobiographiques, se veut paranoïaiquement trash pour susciter le malaise. Mais cela amène l’artiste à ériger le culte de la déviance comme une sorte de fond de commerce dans lequel elle tombe volontairement ou non.

Se voulant elle-même « maniaco-sexuelle », Lydia Lunch veut faire du traumatisme et de ses conséquences la matière même de son œuvre. Elle la conçoit comme une transcendance du mal par le mal en portant plus loin les approches des Hubert Selby, des Ted Mac Keever et de la déjà cité Kathy Acker. On pouvait penser qu’avec le temps la créatrice allait s’apaiser. Or, il n’en est rien comme si elle restait la victime assermentée des « Prédateurs » auxquels elle ne cesse de renvoyer leur propre image. Preuve que la catharsis escomptée n’est pas si simple que ça ou que désormais cette thérapie est devenue un « pli » artistique ou une seconde nature…

Toutefois, l’artiste ne se sent pas enfermée dans l’image qu’elle donne. Elle a tôt fait de mettre la question sous le tapis : « Qu’est ce que l’image ? Chacun a une idée différente de ce qu’est mon image. Chaque travail correspond à un genre différent, un look différent, un disque différent… Alors, quelle est mon image ? Les gens pensent toujours que je vis à New York. Je n’y ai pas habité depuis 17 ans ». Il est vrai que depuis les bas fonds initiaux de la mégalopole l’artiste a vécu à Londres, Los Angeles, San Francisco, la Nouvelle Orléans, Pittsburgh avant de rejoindre Barcelone. Son plus récent opus Big sexy noise cultive toujours une musique psycho ambiante mais dérangeante confite de paroles hypnotiques, agressives, dures, âpres. Son point de vue sur la musique et sa manière de l’aborder restent toujours aussi brutes et franches. L’artiste se veut en cela une « femelle jongleuse » (je cite) différente d’icônes pop du type Diamanda Gallas, Nina Hagen (« sa musique souffre de mauvais goût ») ou de Carol Finnley. Elle se sent plus proche de Janis Joplin mais elle s’en différencie cependant car pour elle cette dernière était « une perdante auto destructrice ».

Lydia Lunch à l’inverse se veut une femme forte. Son parcours le prouve. Et son objectif reste le même « chier à la face de l’histoire, peser sur chaque forme d’art dans laquelle je me sens à l’aise et me glisser à l’intérieur de chacune d’entre elles avec ma passion ». Sarcastique, cynique, elle réussit son coup et parvient à canaliser sa colère pour sa création multi facettes. Reste tout de même un problème. L’artiste est de celles qui ne doutent pas d’elles-mêmes dans sa lutte (salutaire) pro féminine. Mais après et selon elle il n’y a plus rien « ce n’est pas ces putains de Riot Grrls, ce n’est pas Courtney Love qui font changer les choses, je ne revendique pas ce genre de crimes ». Mais d’ajouter « Peut-être que quand j’aurai 60 ans il y aura plein de petites Lydia. On aura des filles pour chaque période ».

Il n’en demeure pas moins qu’écouter/lire/voir l’artiste entraîne deux sentiments contradictoires. D’un côté on salue la militante passionnée et vindicative. De l’autre on se demande malgré tout où commence la posture et l’imposture. Lydia Lunch n’est pas dans ses formes artistiques aussi radicale qu’elle le prétend. L’excès est devenu chez elle un excès de zèle, une procédure musicale, scénique, iconique. Paradoxalement, l’artiste cultive un certain mépris pour la musique et la scène privilégiant le choix de ses lecteurs plutôt que de ses spectateurs et auditeurs. C’est d’ailleurs de sa part une vue de l’esprit car sa littérature demeure assez quelconque tant on a pu lire ailleurs du pire dans l’abject. Son œuvre discographique est à l’inverse plus riche et originale dans son ensemble. Ceux qui l’ont pris pour une putain sont devenus des putains d’histoires dans ses albums. Et c’est pour ces hommes « qui ne veulent pas tout entendre » qu’elle a écrit « les choses les plus infamantes ». Ils ne lui en veulent pas étant donné l’accueil triomphal qui lui accordent lors de ses concerts.

En tout état de cause l’art sous toutes ses formes permet à Lydia Lunch de sortir d’une compulsion maladive en déplaçant l’objet du désir. Celui envers les hommes qui causa sa perte a été progressivement remplacé par celui des arts sous toutes leurs formes. Néanmoins ces derniers restent encore diverses manières de séduire les premiers plus que de s’en désintoxiquer. Musique et concert sont donc pour elle à la fois une psychothérapie et un travail de séduction, de reconnaissance dans le regard de l’autre. Ajoutons enfin que celle qui a découvert en Cioran le grand écrivain du temps, voue toujours à un personnage de la scène underground New Yorkaise de son époque de galère le même respect : Richard Kern. Et Big Sexy Noise à sa façon le rappelle. Après ce CD, l’artiste en projette plusieurs et veut réaliser des expositions de photographie et de sculptures… La thérapie suit donc son cours et devrait désormais et selon l’artiste l’amener à sa sagesse. On lui souhaite.

© photo : Marc Viaplana

RQTN

Ainsi que le laisse supposer le titre de l’album, différentes décennies sont explorées au gré des pistes, entre 1928 et 2010. S’il ne faut pas s’attendre à une musique d’époque, les compositions ayant été réalisées grâce aux miracles de l’électronique, une progression est indéniablement perceptible, dépeignant l’œuvre de Chronos dans un monde parallèle.

Il serait difficile de traduire de manière expresse la quintessence du ressenti provoqué par l’écoute de Decades and decisions. L’album est instrumental, à l’exception notable de “2003 – A Motionless frozen state”, titre pour lequel l’ajout d’une partie vocale n’apporte étonnamment que peu de choses par rapport au reste des titres. Cet élément, s’il n’est pas explicatif par lui-même, n’aide pas à sortir l’expérience de la sphère de l’ineffable. Comme souvent en musique, mais peut-être ici plus qu’ailleurs, les compositions agissent comme de véritables révélateurs, ne trouvant un réel sens que dans l’écho qu’elles suscitent chez celui qui écoute. Le sens et l’impact des titres sont donc à géométrie hautement variable car co-dépendant de l’auditeur, mais certains passages semblent appelés à produire un effet similaire sur le public. Tel le motif principal de “2010 – A New decade”, qui inspire une certaine gravité et réveille le sens du devoir, donnant ainsi l’envie de se redresser, de bomber le torse et de se confronter à l’adversité, quel que soit le prix à payer.

Le premier contact avec Decades and decisions peut paraître austère, un peu à l’image de la jaquette de l’album qui n’est pas sans évoquer certains logos produits au cours des décennies bien passées. Mais cette barrière relative ne doit pas occulter le fait que cette nouvelle incursion de Mathieu Artu dans la sphère musicale se solde par une expérience marquante, prompte à créer de l’émotion et des réactions. Et c’est bien ce que l’on attend d’un album. Ou d’un mois d’un album avec une certaine envergure.

1. 1928 – A Birth among others
2. 1942 – A Struggle in the haze
3. 1955 – A Shelter for lovers
4. 1970 – A Gaze towards the lighthouse
5. 1982 – A Dawn to remember
6. 1986 – A Son to concede all
7. 1990 – A Block in town
8. 2003 – A Motionless frozen state
9. 2010 – A New decade

Myspace : http://www.myspace.com/rqtnisdead

Site : http://www.rqtn.net/

]]> http://www.lesimmortels.com/blog/chronique-musicale/1657/2010/04/29/rqtn-%e2%80%93-decades-and-decisions-2010-autoproduit/feed/ 0 http://www.lesimmortels.com/blog/chronique-musicale/1474/2010/04/04/hadouken-for-the-masses-2010surface-noise/ http://www.lesimmortels.com/blog/chronique-musicale/1474/2010/04/04/hadouken-for-the-masses-2010surface-noise/#comments Sun, 04 Apr 2010 14:43:27 +0000 Daphné http://www.lesimmortels.com/blog/?p=1474 Hadouken!, le "special trick" de Ryu et Ken, c'est quand ils s'envoient une boule d'énergie dans la tronche. Comme "For the Masses".]]>
Quand on a rencontré les anglais de Hadouken! pour la première fois en 2008, ils avaient encore des boutons sur le front et des appareils dentaires, et on les appelait les “fluokids”. Pas encore sortis de l’enfance, ils avaient enrichi leur musique à forte influence Big Beats de bruits à forte sonorité 8-bit. Mais ils ont grandi.

La formule Hadouken! n’a pas profondément changé : toujours une électro saturée à tendance Punk et un flow agressif, mais les jeunes ne sont plus des kids. Ils ont lâché leur Game Boy pour des guitares, troqué leurs t-shirts fluos contre des chemises noires, et la production s’éloigne de l’univers des jeux vidéos pour s’approcher d’un son plus industriel, plus rock, plus sombre et plus saturé encore. Pas étonnant : les hollandais de Noisia sont aux manettes. Les mélodies sont plus harmonieuses et moins rentre-dedans, les influences plus assumées aussi. Ils ne jouent plus à Street Fighter, et préfèrent singer les grands, The Prodigy en tête. Plutôt de belle façon, il faut l’avouer, même si ça s’essouffle sur la fin.

L’album est constant dans sa qualité et très bien ficelé. Les journalistes les moins compétents utiliseront la formule “album de la maturité”, mais pas moi. Il est vrai qu’on sent que le groupe a gagné en âge, mais ils sont encore trop jeunes pour être qualifiés de mature. En revanche, on peut leur reprocher de “faire comme”, mais ils possèdent toutefois une certaine personnalité et surtout un gros paquet d’énergie à revendre, énergie boostée par la production sans concession de Noisia. En ces temps de post-crise, de morosité culturelle et de temps pourri, et surtout après le passage difficile à l’heure d’été, c’est toujours bon à prendre.

Four Tet crée un terrain propice à des transmutations accessibles au sein d’ambiances allusives sophistiquées et impressionnantes, en particulier dans des titres comme “Angel Echoes” et surtout “Love Cry”. Amateur de free-jazz, de percussions et de voix, le musicien crée des périmètres sonores très construits mais qui ne sacrifient pas à la pure géométrie qu’une scansion trop incisive imposerait. Utilisant divers fragments, il fait de chaque capture un ensemble. Mieux même : une apparition très invasive dans la multiplication d’échos. Ils deviennent des moments autant de débord que d’attente, de prospection et de projection. L’oreille, d’emblée ou par accoutumance, y puise une écoute neuve. Se tient toujours en réserve une part d’insaisissable mais en vue de l’intégrer habilement à un espace de soumission. Du grand art donc que ces espaces musicaux enveloppants. Ils confirment Hebden dans une position originale. Son refus du bricolage le porte vers une électro futuriste mais qui, parce qu’elle lorgne juste ce qu’il faut sur un passé récent, reste assimilable.

http://www.myspace.com/fourtetkieranhebden

Les habitués de la scène reconnaîtront certains des morceaux déjà parus au gré de nombreuses compilations, de mixes, ou encore diffusés en masse sur les radios spécialisées (le titre “Rock it” en particulier). C’est donc en partie en terrain connu qu’on promène. Le sentiment est accru par le fait que les morceaux moins diffusés ne surprennent pas vraiment. On a là de la liquid assez convenue, des sons familiers et des beats classiques. Des mélodies assez basiques composées de 3 notes au synthé et une recette qui ne change pas  ostensiblement d’un titre à l’autre : sons 8 bit, samples de voix très house, montées lentes et breaks interminables, nappes planantes envahissantes. C’est, en vérité, du High Contrast en un peu moins mainstream, mais en bien plus ennuyeux. En dehors de “Rock It” et son caractère affirmé, les morceaux alternent entre le profondément soporifique (le closer “Coming Closer”), le vulgaire ibizien ou la repompe éhontée de Pendulum (”Splash” et “Timewarp”).

J’avoue ne pas saisir l’engouement pour cet album. Qu’il n’y ait pas énormément de concurrence aide à comprendre cette victoire. Aussi, en un sens, cet album est homogène dans sa qualité (médiocre). Racoleur, peu inspiré et facile, ce disque est digne de passer sur FunRadio. Ce qui n’est pas vraiment un critère d’appréciabilité ici.

L’inquiétante demoiselle, avant d’incarner Fever Ray, a été remarquée pour son action au sein de The Knife, duo formé en compagnie de son frère Olof Dreijer. L’entreprise electro, sans sombrer dans le bariolé ou l’acidulé, dispose d’une palette chromatique assez étendue, à même de chatouiller la rétine autant qu’elle fait vibrer les tympans. En revanche, le projet solo de Fever Ray se peint uniquement en noir et blanc. Principalement en noir à vrai dire.

Prolongées par un artwork digne d’une gravure de vieux contes (sans fée, mais avec des faux airs d’Ozzy Osbourne), les compositions electro-dark tressent une atmosphère lourde et oppressante, très rarement percée de rayons de légèreté. Certains morceaux se montrent assurément étouffants, notamment “Concrete Walls”, qui semble sorti de l’esprit un rien dérangé d’un charmant sociopathe en goguette. Cette plongée dans les méandres d’une âme un soupçon tourmentée génère un malaise indéniable. Et permet de tracer un parallèle avec un genre musical objectivement différent, le black métal.

Exception faite des atours musicaux forcément plus brutaux chez nos amis cavernicoles et brûleurs d’églises, une évidente vibration malsaine et démente anime Fever Ray. Et il apparaît même que la délicate Karin pourrait en raconter à bien des vikings bardés de cuir, hérissés de clous et peinturlurés en noir et blanc. Sur ce dernier point, le maquillage de la dame, directement inspiré des calaveras mexicaines, présenté dans le clip de “If I had a heart“, est sans conteste bien plus effrayant qu’un congrès de la Kiss Army (quoique).

Au final, avec ce projet solo, Karin Dreijer Andersson a frappé un grand coup, qui résonne encore un an après la sortie de Fever Ray. Projetant de grandes gerbes dégoulinantes sur les murs d’une musique électronique déjà dépolie, les pistes s’écoulent le long des parois en de longues phrases glauques, mais tellement intéressantes. Vu qu’il ne nous appartient pas de faire le ménage et de nettoyer les sols, peu nous chaut. Et alors que vient juste d’être révélé le dernier album de The Knife, on se prend déjà à espérer les prochaines névroses de la moitié féminine du duo.

1. If I had a heart
2. When I grow up
3. Dry and dusty
4. Seven
5. Triangle walks
6. Concrete walls
7. Now’s the oly time I know
8. I’m not done
9. Keep the streets empty for me
10. Coconut

Myspace : http://www.myspace.com/feverray

Site : http://www.feverray.com

Le Clip de “If I Had a heart” : http://feverray.com/video/if_i_had_a_heart_video.html

]]> http://www.lesimmortels.com/blog/chronique-musicale/1347/2010/03/09/fever-ray-%e2%80%93-fever-ray-2009-v2-records-international/feed/ 7 http://www.lesimmortels.com/blog/chronique-musicale/1354/2010/03/07/klaus-schulze-la-vie-electronique-1-2-3-4-2009-revisited-records/ http://www.lesimmortels.com/blog/chronique-musicale/1354/2010/03/07/klaus-schulze-la-vie-electronique-1-2-3-4-2009-revisited-records/#comments Sun, 07 Mar 2010 11:00:19 +0000 JPGP http://www.lesimmortels.com/blog/?p=1354 Électronique et parfois hermétique, telle est la vie de Klaus Schulze.]]>

Vouloir appréhender le monde musical de Schulze reste une gageure. Plus de cent albums ont paru sous son nom et ne se comptent plus ses innombrables – et  parfois improbables – participations à des sets studios et scéniques dont ceux avec Ash Ra Temple et les Cosmic Jokers de ses débuts. Le musicien allemand appartient à la catégorie des ogres musicaux au même titre que Zappa ou que ses anciens congénères de Tangerine Dream. Il les a quittés pour une carrière solo. En 1972 son premier album, Irrlicht, passe inaperçu, mais en 1977 il devient une rock star avec Time Wind et son rock psychédélique habilement monté dans un esprit free jazz. Peu à peu, il s’oriente vers des modes symphoniques de composition. Il les lie à l’improvisation dans des déclinaisons proches des concepts de  Picture Music et d’écoute active.

L ‘ensemble des C.D. de La Vie électronique permet de comprendre l’évolution et la structuration de sa musique depuis l’arrivée des premiers instruments électroniques qui ouvrirent sa musique à d’autres univers. Les différents Arp (le Soline, le 2600 puis l’Odissey) donnent au son de Schulze un grain particulier et une tonalité plus ou moins mystique. Parfois c’est un peu bricolé parfois ça flirte avec le Floyd pour le radicaliser loin des formules calibrées et commerciales. De longues plages développent des nappes planantes. Mais Schulze se souvient qu’il a été batteur et il reprend parfois les baguettes pour le plaisir de faire chuinter la résonance des filtres à travers une rythmique savamment bosselée.

Actif sur la scène musicale depuis 1967, Schulze est non seulement un des précurseurs du space-rock allemand mais encore l’un des premiers musiciens à expérimenter le synthétiseur. En introduisant des percussions électroniques dans sa musique, il reste (avec les Kraftwerk) le grand pionnier de la musique entièrement électronique et demeure le symbole (en France en particulier) de la musique planante. Il la pousse parfois soit dans un wagnérisme psychédélique, soit dans un minimalisme répétitif. Mais le plus souvent on navigue dans le cosmique. Et ce n’est pas par hasard si les « teknologistes » iront très vite lorgner du côté de l’artiste. Ils sont impressionnés par ses trames de fond auxquelles le fourmillement de l’échantillonneur bloqueur crée une sensation d’abîme et d’infini. Timewind en reste le meilleur exemple. Et dès l’époque originaire tout est en place en somme.

Mais le renouvellement d’un matériel de plus en plus sophistiqué permet à Schulze une progression dont les quatre ensembles de La Vie Electronique offrent plus qu’un échantillon. Ils sont à conseiller d’une part aux fans de Schulze bien sûr, mais à ceux dont l’électro est la culture de fond. Ils trouveront là bien des racines à leur goût musical. Qui aime le genre ne peut faire l’impasse sur le compositeur, producteur et instrumentiste. Même si, courtisé de près par des musiciens anglais de la vague techno, il s’égare parfois sous leur influence dans des productions discutables. Trancelation et Trance Appeal dérapent par exemple vers une musique dance floor. Mais l’artiste n’est pas dupe de ces errances et il a soin de publier ces dérives sans doute commerciales sous le pseudo de Richard Wahnfried.

Avec Klaus Schulze Goes Classic, il fait en quelque sorte amende honorable et revient à ses racines. Il va jusqu’à de l’opéra et à des œuvres faites pour les concerts. Son Das Wagner Desaster le ramène à un de ses musiciens de prédilection. Depuis l’artiste a tendance à republier ses œuvres ou à sortir des versions inédites du passé. Elles n’ont rien de fonds de tiroir. Et après un CD original très réussi (In Blue)  il publie une rétrospective d’inédits de 10 CD en série limitée intitulée Historic Edition. Leur succès l’entraîne – entre quelques publications de productions récentes – vers une boulimie rétrospective. 6 C.D. de morceaux enregistrés lors des débuts d’Ash Ra Temple sont réédités. Paraissent pour les cinquante ans de l’artiste 25 C.D. sous le titre Jubilee Edition. Vite épuisés, ils sont devenus des musts. Depuis, Schulze a publié deux autres coffrets de « listening music » sous le titre de Contemporary Works (16 CD au total) puis un triple live en 2001 et un autre en 2008. La même année en association avec Lisa Gerrard des Dead Can Dance il sort Farescape avant de publier les La Vie Electronique 1, 2, 3, 4.

On peut s’interroger sur une telle boulimie. Certes, Schulze est un de ces rares créateurs qui pendant tout un temps était capable de créer de la (bonne) musique « au mètre ». Chaque concert devenait pour lui (sous le nuage de shit des spectateurs spaces) un véritable lieu de création musicale. D’un point de départ connu, l’artiste fonçait dans des constructions nouvelles. La force créatrice de l’artiste faisait de chacun de ses spectacles la fabrication d’œuvres de pure improvisation « free jazz ». Peu de créateurs sont capables de cela. C’est d’ailleurs la raison du succès de cette masse de rééditions d’œuvres originales ou de version inédite. Dans chacune d’elle la créativité reste présente et on ne les écoute pas comme on visiterait un musée.

Chaque opus jette dans une méditation indicible, constamment renforcée par les nappes, les boucles, les variations créées par Schulze. Elles construisent un temps qui semble immense et fixe. L’artiste fait, dit-il, de lui comme de ceux qui écoutent sa musique « des oiseaux invraisemblablement posés et attentifs ». Chaque pièce nouvelle ou ancienne est toujours un trajet à parcourir dans une décomposition et une restructuration de l’imaginaire sonore. Et s’il est parti de Wagner, Schulze n’en accepte pas les réponses grandiloquentes (ou grandioses). Par mixages et structurations électroniques, il a fait de sa propre oeuvre quelque chose de monstrueux, d’hybride mais en une fusion qui n’a rien à voir avec les rituels wagnériens. Ne reculant jamais devant la disparité le musicien allemand a composé sa musique comme on inventa les dieux Ganesha et Anubis cher aux fumeurs de haschich. Elle a des têtes d’éléphant et de chacal sur des épaules d’hommes aux peaux rudes et aux attributs contradictoires dont la féminité n’est pas absente.

Site : http://www.klaus-schulze.com